Magnifique jardinière Art Nouveau signée Aug. Moreau en bronze argent é. Le décor naturaliste est composé de fleurs, d’un amour avec son arc et ses flèches et de jeunes filles. Typique de la fin XIX et début du XX siècle dans les arts décoratifs. Le container recevant plantes et terreau est en cuivre ou laiton. Le tout est en très très bon état. Il y a quelques légères marques d’usures sur le bras d’un des personnages (voir une des photos). Pas de manques, ni parties restaurées. De grande taille 50 cm x 25 cm x 21.5 cm! Le colis sera soign é! Auguste Moreau was born in Paris in 1834, the youngest son of sculptor and painter Jean-Baptiste Moreau. He studied with his father and also under Aimé Millet, Augustin Drumont and Jean Thomas. Each of the three Moreau brothers – Hippolyte, Marthurin and Auguste – have become renowned for the quality and the beauty of their figurative sculpture. In 1861, Auguste made his debut at the Salon where he would exhibit regularly until 1913. His subjects were primarily young maidens sensuously clad in swirling diaphanous dress and usually decorated with flowers and birds or allegorical and genre scenes incorporating cupids and young children. His style was realistic and graceful, revealing his relation to the other members of the Moreau family. His compositions encapsulate a feeling of innocence whilst incorporating an air of mischievous game. Bronze sculptures by Louis August Moreau are prime examples of the Art Nouveau style. He worked in France during the turn of the century and regularly exhibited his bronze sculptures. Moreau’s bronze sculptures, such as Curiese, have inspired other sculptures to create in a similar style. L’Art nouveau est un mouvement artistique. De la fin du. Et du début du. Qui s’appuie sur l’esthétique des lignes courbes. Né en réaction contre les dérives de lindustrialisation à outrance et la reproduction sclérosante des anciens styles, c’est un mouvement soudain, rapide, qui connaît un développement international : Tiffany d’après Louis Comfort Tiffany. (en Autriche), Nieuwe Kunst. (aux Pays-Bas), Stile Liberty. (en Espagne), Style sapin. Le terme français « Art nouveau » sest imposé au Royaume-Uni, en même temps que langlomanie en France a répandu la forme Modern Style au début du. S’il comporte des nuances selon les pays, ses critères sont communs : l’Art nouveau se caractérise par l’inventivité, la présence de rythmes, couleurs, ornementations inspirés des arbres, des fleurs, des insectes, des animaux, et qui introduisent du sensible dans le décor quotidien. C’est aussi un art total. En ce sens qu’il occupe tout l’espace disponible pour mettre en place un univers personnel considéré comme favorable à lépanouissement de l’homme moderne à l’aube du. En France, l’Art nouveau était appelé « style nouille » par ses détracteurs, en raison de ses formes caractéristiques en arabesques. Ou encore « style Guimard », à cause des bouches de métro parisiennes. Réalisées en 1900 par Hector Guimard. Apparu au début des années 1890. On peut considérer quà partir de 1905, l’Art nouveau avait déjà donné le meilleur de lui-même et que son apogée est atteint. Avant la Première Guerre mondiale. Ce mouvement évolua vers un style plus géométrique, caractéristique du mouvement artistique qui prendra la relève : l’Art déco. Aux origines de l’Art nouveau. Un long cheminement pour se libérer du classicisme. Les débuts de l’Art nouveau. Une nouvelle manière de s’exprimer. Un art de la jeunesse. Un art dans la vie. Un art dans la ville. Patrimoine mondial de l’Unesco. Quelques uvres architecturales majeures. Belgique, France et Suisse. Principales villes Art nouveau dans le monde. Postérité de l’Art nouveau. Les planches dessinées par Ernst Haeckel. Comme ces coquillages, seront source d’inspiration pour les artistes de l’Art nouveau. Siècle, presque toutes les formes d’art s’inspirent du passé. L’imitation du gréco-romain cohabite avec celle des styles nationaux. Cependant, certains artistes ont espéré que le. Trouverait enfin un style qui lui soit propre. La prédominance des formes inspirées du passé est la raison fondamentale de l’apparition dun Art nouveau. La source est très ancienne et la thématique de l’Art nouveau se trouve déjà dans les textes des théoriciens révolutionnaires. Ainsi, Claude Nicolas Ledoux. Est l’un des premiers à poser cette question dun art qui ne soit pas limitation de quelque chose, mais qui aille plus loin en créant quelque chose de totalement original pour une civilisation nouvelle. On l’aperçoit aussi dans les formes les plus inattendues comme avec le retour à l historicisme. Qui n’est autre qu’un moyen dévasion. En étant lun des premiers à dessiner une multitude de coquillages, fleurs, méduses, dans un but scientifique, Ernst Haeckel. Peut être considéré comme un autre précurseur de lArt nouveau. Son travail a inspiré les grands lustres en forme de méduse de Constant Roux. Pour le musée océanographique de Monaco. Les acteurs de lArt nouveau feront souvent référence à cette réalisation, tant ce fut un choc pour eux, même si pour Haeckel il ne s’agissait que de copies du réel. De même, la porte monumentale de l’architecte français René Binet. À l’Exposition universelle de 1900. S’inspire du travail de Haeckel. La Séduction de Merlin , Edward Burne-Jones. (1874), Lady Lever Art Gallery. Les prémices de cet art sont perceptibles dans la dimension onirique perceptible chez les peintres préromantiques. Qui est lun des grands combats artistiques de la seconde moitié du. Par ailleurs, le préraphaélisme. S’éveille dès 1850 aux courbes et aux couleurs, inspirées des maîtres italiens du. Ou de la Renaissance florentine. Par réaction à la révolution industrielle. Les fondements théoriques du mouvement Arts & Crafts. Comme les thèses de William Morris. Lequel influence Arthur Heygate Mackmurdo. Ou de Charles Rennie Mackintosh. Qui réalise la Glasgow School of Art. De 1897 à 1899, définissent un nouvel art décoratif au Royaume-Uni. Ils se prononcent contre les dérives de l’industrialisation et de l’assèchement créatif qu’elle entraîne, ils prônent un retour à l’esprit des guildes. Médiévales, à l’étude du motif naturel, à l’emploi de formes épurées : la régénération de la société ne se fera que par la vérité des formes qui l’entourent et dont elle use. Dans la foulée se développe un courant assez proche appelé esthétisme. Et qui marquera des artistes comme Oscar Wilde. À partir de 1874 ou Aubrey Beardsley. En Espagne, et plus précisément en Catalogne. Le mouvement porte le nom de modernisme catalan. À la suite de l’exposition universelle de 1888. Il se construit durant les années 1870 sur la conjonction de plusieurs facteurs : la rénovation artistique, en parallèle dautres arts contemporains, la recherche de nouvelles expressions formelles et la volonté de se situer dans une modernité denvergure européenne. Selon les mots de lécrivain Joan Fuster. Il a vocation à transformer. « une culture régionale traditionaliste en une culture nationale moderne ». Ce mouvement présentait des similitudes conceptuelles et stylistiques avec diverses variantes de lArt nouveau qui se développait en Europe à la même époque. Par contre, il se singularisait selon trois aspects : il se développait dans la continuité de la renaissance catalane. Girone, Tarragone, Reus, Sabadell, Terrassa, Mataro et surtout Barcelone. Avec son plan Cerdà. (lancé en 1859), qui offrait. De terrains nus à l’imagination des architectes. En outre, et contrairement à d’autres pays d’Europe, il cherchait à créer un art national là où d’autres pays cherchaient à dépasser leurs frontières. Est le principal représentant des nouvelles tendances de ce mouvement, dès 1886 avec notamment le Palais Güell. Et précède le Collège Sainte-Thérèse. Le propos, plus ou moins moral, se veut plus rationnel, moins tourné vers le passé et moins fermé aux matériaux nouveaux : dans ses écrits théoriques marqués par le rationalisme. (Entretiens sur l’architecture , 1863), Eugène Viollet-le-Duc. Ne rejette pas le matériau moderne le fer. Notamment, mais veut au contraire l’afficher en lui donnant une fonction ornementale et esthétique, à la manière des structures gothiques. Paradoxalement connu comme le chef de file français du mouvement néo-gothique. Viollet-le-Duc sera l’inspirateur de nombreux architectes de l’Art nouveau. Par ailleurs, certaines de ses uvres décoratives, notamment ses fresques peintes au château de Roquetaillade. (1850), sont de parfaits exemples du lien de filiation entre le mouvement néogothique et l’Art nouveau. Mais c’est à partir de 1892 à Bruxelles. Henry Van de Velde. Puis en France que sont définis les principes formels d’une architecture spécifiquement dénommée « Art nouveau ». Dans les arts décoratifs, de même que dans les pays germaniques ou en Italie, l’excellence de l’artisanat d’art ne connait pas de rupture malgré l’avancée de l’industrialisation, les concepteurs n’ayant jamais cessé de bénéficier des savoir-faire de praticiens issus notamment de la tradition du compagnonnage. Au milieu des années 1860, l’influence du Japonisme. Par ses solutions formelles nouvelles aura un impact majeur sur les arts décoratifs en France, en introduisant également ses arabesques dans le mobilier Gabriel Viardot. , dans l’art de la céramique, ou dans celui de l’estampe qui dans les années 1880 connait un renouveau, soutenu par Auguste Lepère. Et en influant ensuite sur les beaux-arts, avec le cloisonnisme. Qui s’inspire du vitrail et se développe au moment où le symbolisme. Mêle l’étrange à la rêverie. À la suite de l’émergence du style « Art nouveau » proprement dit au début des années 1890, caractérisé par ses courbes et formes végétales. Le mobilier ne se départ cependant pas jusqu’à la fin du. Siècle de la sophistication propre à un artisanat de luxe au détriment de formes plus dépouillées expérimentées dans d’autres pays, cette fois sous l’influence initiale de l’habitat japonais. De cette esthétique particulière développée en Belgique et en France, à laquelle l’Exposition universelle de 1900. Donnera une audience internationale, est issue l’expression « Art nouveau », apparue à Bruxelles. Et reprise à Paris. Par la galerie d’art. Créée par Samuel Bing. D’abord consacrée au japonisme puis rebaptisée Maison de l’Art nouveau. En 1895, pour promouvoir cette nouvelle tendance. Celle-ci est contemporaine de plusieurs autres mouvements européens, parfois similaires comme à Prague. Déclinés dans plusieurs pays d’Europe selon leur contexte national ou plus avant-gardiste. Encore, avec la Sécession viennoise. Qui apparait également dans les années 1890. « À chaque époque son art, à chaque art sa liberté! Devise de la Sécession Viennoise inscrite sur le Palais de la Sécession. Intérieur de l’hôtel Tassel. En architecture, les prémices de l’Art nouveau appelé. Se retrouvent dès 1871 dans les cours de la nouvelle École provinciale d’architecture de Barcelone. Cependant, il est classique de considérer qu’en Catalogne l’Art nouveau. Commence en 1888, lors de la première exposition universelle de Barcelone. Occasion pour laquelle un grand nombre d’édifices modernistes furent construits. De cet évènement subsistent encore l’arc de Triomphe de Barcelone. Et le Château des trois dragons. Considéré comme le tout premier édifice Art nouveau à exploiter la ligne courbe, symbole entre tous de ce mouvement. La fluidité des espaces fait écho aux courbes végétales qui investissent ferronneries, mosaïques, fresques et vitraux, éléments tant structures qu’ornements, dans la plus parfaite ligne d’Eugène Viollet-le-Duc. Horta conçoit un édifice inédit avec des meubles qui correspondent au rythme des murs et de larchitecture ; il dessine les motifs des tapis, conçoit les meubles : c’est la naissance d’un « Art total ». Art nouveau , affiche de la galerie Siegfried Bing. À la fin du. Les échanges artistiques sintensifient, ce qui participe à la diffusion du mouvement. Des albums et revues dart et darchitecture sont abondamment illustrées et propagent les idées nouvelles, comme L’Estampe originale. (1896), Art et décoration (1897), etc. Le développement des moyens de communication permet aux architectes de voyager ; ainsi des connexions s’établissent entre Bruxelles. Sera très influencé au cours dun voyage quil a fait en 1895 pour voir les architectures de Victor Horta. Ce qui lamènera à intégrer certaines de ses formes dans sa propre architecture. De même, des liens très étroits se tissent entre Vienne. Et un architecte comme Otto Wagner. Recevra la visite de Charles Rennie Mackintosh. L’expression « Art nouveau » est employée pour la première fois par Edmond Picard. Dans la revue belge L’Art moderne. Dans la lignée de La Jeune Belgique. Pour qualifier la production artistique d’Henry van de Velde. Cependant, le nom a été inventé par Van de Velde avec Victor Horta. Elle passe en France. Elle devient l’enseigne de la galerie d’art de Siegfried Bing. Sise 22, rue de Provence à Paris. Sous le nom maison de l’Art nouveau. Y sont exposés de grands noms des mouvances symbolistes et Art nouveau : outre van de Velde. Empruntant une voie plus solitaire, Hector Guimard. Fait figure de génie prolifique et isolé, créant son propre univers, le « style Guimard ». Mais c’est Nancy. Qui va constituer le plus bel ensemble d’Art nouveau français. La ville a accueilli à partir de 1870 de nombreux Lorrains qui souhaitaient rester Français, après l’annexion de la Moselle. L’Art nouveau y devient le moyen d’expression d’un régionalisme revendiqué. Et bien d’autres, créent l’École de Nancy. Ces créateurs authentiques sont vite rattrapés par le succès d’une mode dont ils sont (involontairement) les inspirateurs, et qui triomphe à l’Exposition universelle de Paris en 1900. Notamment dans une bimbeloterie envahissante (dénoncée par Bing et van de Velde) qui ternit pendant longtemps la mémoire de l’Art nouveau. C’est à partir d’idées et d’idéaux communs que naquit l’aspiration à un style homogène qui trouverait son expression non pas dans l’uniformité, mais dans la diversité. LArt nouveau contient lacceptation des différences de genre et desprit entre les êtres, il procède dune très grande générosité de pensée. Ainsi dans la même ville, Bruxelles, trois architectes de renom ont pu cohabiter : Paul Hankar. Henry van de Velde. Plutôt que de senfermer dans un style, les artistes ont avant tout la volonté de trouver de nouvelles manières de sexprimer. Sur la maison Cauchie. LArt nouveau apparaît un peu partout au même moment. L’historien Mario Praz. Parlera de « déflagration », « d’explosion de la jeunesse ». Ce courant est le fait d’une génération d’artistes, souvent jeunes Hector Guimard. A moins de trente ans lorsqu’il dessine le métro parisien, et qui sortent de leur tour pour prendre en main le décor de la vie. L’objectif est de rompre avec l’exploitation des styles du passé, afin de proposer une alternative à un historicisme. Officiel qui empêche le renouveau des formes. Le terme allemand Jugendstil signifie explicitement « style de la jeunesse ». LArt nouveau vient en réaction à lobligation de faire ce qui est convenable, codifié. Ainsi, la lecture de la baronne Staffe. Qui a écrit un traité des bonnes murs pour faire léducation des classes moyennes, permet de mieux comprendre la société de 1900 : tout y apparaît codifié, de la longueur du voile de deuil à la carte de visite en passant par le type de chapeau Ces règles seront insupportables aux artistes de la mouvance Art nouveau, tout comme celui-ci paraîtra insupportable, en tant qu’art non convenu, dans lequel il est impossible de se repérer par rapport aux styles et aux conventions de lépoque. Dans lArt nouveau, il y a liberté de jouer, de samuser, dêtre non conventionnel : c’est un art sonore, joyeux, musical, ce nest pas un art du silence, de laustère. Plus encore, la sensualité et lérotisme de lArt nouveau font scandale. S’il porte une charge érotique manifeste, la sensualité des formes végétales comme la sur-utilisation de limage de la femme dans le répertoire ornemental sont intimement liés à ce sentiment de vie que les artistes cherchent à restituer dans le décor quotidien. Réaliser l’unité de l’art et de la vie, tel était l’objectif déclaré de l’Art nouveau. Qui estime quil faut un cadre de vie qui correspond aux exigences de lhomme moderne du début du. Un autre objectif est de réagir contre une dérive liée à lindustrialisation à outrance et dépourvue de toute capacité dinvention. Prendre la nature comme référence, cest alors réagir contre le rationalisme du début de lère industrielle, sa froide efficacité et sa morale puritaine. Les motifs habituellement représentés sont des fleurs, des plantes, des arbres, des insectes ou des animaux, ce qui permettait non seulement de faire entrer le beau dans les habitations, mais aussi de faire prendre conscience de l’esthétique dans la nature. Si la référence à la nature est une constante, la façon dont ces artistes vont aborder les modèles naturels varie. Est un artiste naturaliste. Qui s’inspire de la nature en la stylisant très peu, il utilise ses formes dans les décors et dans les dessins de ses meubles. Dautres artistes vont plus loin et restituent dans les formes quils inventent le sentiment de la sève qui circule dans le monde végétal. Naissent ainsi des formes qui suggèrent plus un organisme en croissance quun modèle précis. C’est par exemple le cas de Guimard. Et de certains artistes allemands, comme August Endell. Qui partent de la nature pour évoluer vers un phénomène dabstraction. Les artistes vont créer des formes originales, inédites, inventer un vocabulaire nouveau tout en tenant compte de la possibilité de les reproduire industriellement. C’est une réaction à la fois contre une industrialisation mal pensée, tout en intégrant cette volonté de modernité. Avec l’utilisation des matériaux nouveaux et des moyens de production modernes, l’un des buts poursuivis, pour lequel il a échoué, était de sadresser au plus grand nombre. C’est dans cette optique que les anciens matériaux, comme le bois ou la pierre, ont été élégamment mariés avec les nouveaux, comme l’acier ou le verre. Pour chacun d’eux, des artistes ont poussé leurs recherches à l’extrême pour en tirer le meilleur parti. C’est ainsi que les pâtes de verre multicouches, les rampes d’escalier à entrelacs de ferronneries, les meubles aux ondulations de bois ont permis de mettre l’art à disposition de tous, pour un coût abordable, tout en gardant une volonté d’innovation formelle, inspirée de la nature. Cet art est tout de même lié à de nombreux mécènes et se propage dans un premier temps dans un milieu élitiste bourgeois. Les clients sont nombreux pour les vases Gallé. Dans les milieux mondains parisiens, entre 1896 et 1899. Mais, très vite, le succès populaire notamment dans le domaine de laffiche, en fait quelque chose qui manque de classe et lArt nouveau sera assez vite assimilé à lémergence des classes moyennes. Très vite dévalué, puis mis en cause par les nationalistes. Il devient totalement inexistant dans les milieux supérieurs en quelques années. Au contraire, dans les classes moyennes françaises, lArt nouveau a une très longue durée, et se prolonge jusque dans les années 1920, comme en témoigne l Exposition des Arts Décoratifs. De 1925, où son influence est encore sensible. Et verre (vers 1900), fabrique allemande WMF Württembergische Metallwarenfabrik. La Chimie , un des vitraux de la Chambre de commerce et d’industrie de Meurthe-et-Moselle. Réalisé par Jacques Grüber. Vase à décor d’orchidée, Émile Gallé. Vase à décor floral réalisé dans une douille dobus, artisanat de tranchée. De la Première Guerre mondiale. Coq, de René Lalique. Éducation (panneau central), vitrail de Louis Comfort Tiffany. Cliquez sur une vignette pour lagrandir. La façade du Castel Béranger. Siècle qui se profile se rêve nouveau et moderne, on se rend aussi compte que cette modernité risque de couper l’homme de la nature. Tout se passe comme si celle-ci risquait de s’échapper et que les artistes devaient essayer de la réintroduire le plus naturellement possible dans le cadre de vie. LArt nouveau est un art essentiellement urbain, citadin qui trouve un écho dans des villes comme Barcelone. En France, l’Art nouveau. Se décline en deux écoles : Paris et Nancy. À Paris, Samuel Bing. Marchand d’art, ouvre en 1895 une galerie : la Maison de l’Art nouveau. Précurseur français du mouvement, qui sera baptisé, comme son magasin, l’Art nouveau, Bing expose des designers, tels Van de Velde. Colonna ou de Feure. À la même époque, la construction d’un immeuble, le Castel Béranger. Rend célèbre, malgré les critiques, son architecte Hector Guimard. Le « style Guimard » est aujourd’hui indissociable des entrées du métro parisien, réalisées en fonte industrielle. À Nancy, c’est autour d’Émile Gallé. Verrier et ébéniste, qu’est créée en 1901 la fameuse École de Nancy. Par ce courant résolument novateur, Nancy. S’affirme comme la capitale de l’Art nouveau en France. Des verriers, ébénistes, architectes ou ferronniers de renom en étaient membres. À titre d’illustration, un immeuble aujourd’hui monument historique, sis au 22, rue de la Commanderie, à Nancy, est le fruit de la collaboration entre l’ébéniste et ferronnier d’art Eugène Vallin. Le verrier Jacques Grüber. Et l’architecte Georges Biet. Parmi les architectes nancéiens, citons encore Émile André. Membre du comité directeur de l’école de Nancy avec, à son actif, une douzaine d’immeubles Art nouveau dans cette ville. Ville reconstruite après la Première Guerre mondiale. Peut-être considérée comme une ville de lArt nouveau tardif. On remarque la présence du Jugendstil. (équivalent germanique de l’Art Nouveau) dans l’architecture, du fait de l’annexion allemande. S’il existe des maisons de campagne d’inspiration Art nouveau, elles sont souvent commanditées par les mêmes personnes qui font construire leur hôtel particulier, ou hôtel de rapport, en plein cur de la ville. L’Art nouveau inspire bien sûr l’architecture de nombreux immeubles parisiens, mais surtout celle, parfois très soignée, de nombreuses villas anciennes en meulière. Construites pour la plupart au début du. Et que l’on peut découvrir en banlieue parisienne, notamment dans les villes de banlieue du Val-de-Marne. Celles-ci se caractérisent par leurs audaces en fer forgé, leurs décors de briques et de faïence, leurs pignons et parfois leurs petites tours. C’est dans ces banlieues que des architectes français expérimentent de nouveaux matériaux et de nouveaux styles inaugurant l’Art nouveau qui, par opposition à l’académisme. En Catalogne, après l’explosion de l’exposition universelle, l’Art nouveau est surtout un fait bourgeois. Il fleurit sur l’avenue du passeig de Gràcia. Et dans les principales artères de l’Eixample. À la faveur de concours d’architectures organisés par la ville. Il conquiert rapidement tous les domaines et devient un art officiel avec les commandes publiques de bâtiments de grande dimensions le palais de la musique catalane. L’hôpital de Sant Pau. Le conservatoire de Barcelone. Et pour l’aménagement urbain des luminaires. Pensé pour accueillir un quartier de la ville entièrement moderniste, le parc Güell. Resta cependant un des rares jardins publics Art nouveau, avec la fin de la vogue de cet art comme avant-garde, et le retrait des investisseurs. Propulsé par de riches industriel, l’Art nouveau devient rapidement contre ses idéaux d’origine un style industriel. L’usine textile Casaramora. Ou le cellier Güell. Sont des exemples de ce modernisme appliqué à l’industrie et aux exploitations agricoles. Cette architecture est également appliquée à l’art religieux Sagrada Família. Crypte de la Colonie Güell. Cimetières, aux bâtiments scientifiques observatoire Fabra. , voire scolaires école de la Sagrada Família. Palais de la Sécession. De Joseph Maria Olbrich. Construite par Henri Sauvage. Immeuble Les Cinq Continents. Immeuble de la compagnie Singer. Art Nouveau tardif, kiosque, Las Palmas de Gran Canaria. S’il est relativement polymorphe, l’Art nouveau concerne avant tout larchitecture et les arts du décor. Lit et psyché de Gustave Serrurier-Bovy. (1899), exposé au musée d’Orsay. Vase en étain Art nouveau, par Orivit. Déclinaison industrielle de l’Art nouveau : une poignée de porte de magasin, dessin anonyme (Haute-Vienne). La conception du meuble de l’Art nouveau fait revivre l’artisanat : il est le style du concepteur individuel, remettant en son centre le travail de l’artiste et éloignant celui de la machine. L’innovation majeure dans le domaine de la décoration intérieure se situe dans la recherche dunité. Toutefois, le style néchappe pas à certains parallèles avec la tradition, en particulier gothique. Le gothique servit ainsi de modèle théorique, le rococo dexemple dans lapplication de lasymétrie, et le baroque de source dinspiration en matière de conception plastique des formes. De son côté, l art coloré du Japon. Par son traitement hautement linéaire des volumes, contribua également massivement à lémancipation de lArt nouveau de lasservissement à la symétrie des ordres grecs. Le bois prenait des formes étranges et le métal, à limitation des entrelacements fluides de la nature, devint tortueux. En effet, le style est très largement basé sur lobservation de la nature, non seulement en ce qui concerne lornement, mais aussi dun point de vue structurel. Des lignes vitales, sensuelles et ondoyantes, irriguent la structure et en prennent possession. Chaises et tables semblent modelées dans une matière à la mollesse caractéristique. Partout où cela est possible, la ligne droite est bannie et les divisions structurelles sont cachées au bénéfice de la ligne continue et du mouvement. Les plus belles réussites de lArt nouveau, au rythme linéaire marqué, relèvent dune harmonie qui les rapproche de lébénisterie du. Cest à Nancy que les affinités entre rococo et Art nouveau apparaissent de la manière la plus convaincante. Moins fascinant, mais faisant partie des personnalités artistiques les plus en vue de lépoque, Louis Majorelle. Les travaux dincrustation de Gallé étaient le point fort, en variant beaucoup les motifs, en allant du végétal aux inscriptions littéraires à contenu symbolique. Typique pour la production de ce maître est la transformation déléments structurels en tiges ou en branches se terminant en fleurs. Contrastant avec l école de Nancy. LArt nouveau parisien est plus léger, plus raffiné et austère. Les motifs dinspiration naturelle présentent un degré de stylisation plus grand, parfois même une certaine abstraction, et apparaissent de manière marginale. Long collier dit sautoir. La mode est au bijou fantaisie (laiton, verre, corail). Lart de la joaillerie a été revitalisé par lArt nouveau, la principale source dinspiration étant la nature. Cette rénovation fut complétée par la virtuosité atteinte dans le travail de l émail. Et des nouveaux matériaux, tels que l opale. Et autres pierres semi-précieuses. Lintérêt généralisé porté à l art japonais. Et lenthousiasme grandissant pour les différentes techniques de la transformation du métal, jouèrent un rôle considérable dans les nouvelles approches artistiques et les thèmes dornementation. Durant les deux siècles précédents, la joaillerie fine sétait centrée sur les pierres précieuses. Particulièrement sur les diamants. La préoccupation du joaillier consistait principalement à former un cadre adapté, afin que la pierre resplendisse. Avec lArt nouveau, un nouveau type de joaillerie voit le jour, motivé et dirigé par le concept du dessin artistique, ne donnant plus limportance centrale du bijou à la pierre sertie. Les joailliers de Paris. Furent les principaux instigateurs de ce revirement, donnant un nouveau souffle qui se traduira rapidement par une large renommée du style Art nouveau. Les critiques français contemporains étaient unanimes : lart de la joaillerie traversait une transformation radicale, et le joaillier et maître verrier René Lalique. Se trouvait en son centre. Lalique glorifia la nature dans ses créations, amplifiant son répertoire pour y intégrer des éléments peu conventionnels citons les libellules et herbes inspirés par les dessins de lart japonais. Les joailliers désiraient se démarquer tout en inscrivant ce nouveau style dans une tradition, puisant leur inspiration dans la Renaissance. Pensons notamment aux bijoux en or émaillé et sculpté. Dans la majorité des créations émaillées, les pierres précieuses cédèrent leur place prédominante, les diamants étant relégués à un rôle subsidiaire en combinaison à des matériaux moins habituels comme le verre modelé, la corne. La perception du métier de joaillier évolue, considéré par ses créations comme artiste et non plus comme artisan. Mélancolie , Georges de Feure. Peintre résolument Art nouveau, mais méconnu, était membre du mouvement de l’École de Nancy. Il utilisait une technique de peinture à la colle très originale. Citons également Henri Bellery-Desfontaines. Et Théophile Alexandre Steinlen. Tous artistes peintres qui se dédièrent tout autant à la peinture, à la lithographie et à l’affiche, refusant la séparation entre arts nobles et arts mineurs : la peinture devient un élément du décor. En Suisse, on peut aussi citer le nom de André Evard. Article connexe : Collection JOB. Des couvertures de livres aux illustrations de revues, des affiches publicitaires aux panneaux décoratifs, de la typographie de presse aux cartes postales, lArt nouveau a laissé sa trace. Dans le cadre du renouveau de l’estampe. Dans les années 1880, soutenu notamment par Auguste Lepère. L’un des précurseurs du nouveau graphisme a été Jules Chéret. Le fils d’un typographe. Qui avait suivi des cours à la Petite École, future École nationale des arts décoratifs. L’apprenti typographe a développé une nouvelle technique, plus économique, pour la reproduction de la lithographie en couleurs, plus adaptée à la reproduction de masse de l’affiche publicitaire. En outre, il a amélioré la nature esthétique du manifeste, en lui fournissant des motifs décoratifs, le transformant en un art décoratif de forme autonome. Il a été appelé « le père de l’affiche Belle Époque. », et a inspiré et encouragé d’autres artistes à explorer le genre. Des nombreux auteurs qui sy adonnèrent, le plus influent étant sans conteste le Tchèque Alfons Mucha. Ses créations gagnèrent une renommée internationale, grâce à la délicatesse de ses dessins qui incluaient le plus souvent la figure féminine comme figure centrale, enveloppée par des arabesques déléments naturels. Son style, principalement utilisé dans les uvres à caractère commercial, fut imité par les illustrateurs de son époque. Ce fut, par exemple, le cas de Gaspar Camps. Surnommé le Mucha catalan. Fut un des plus originaux artistes Art nouveau ; ses illustrations en noir et blanc projetant un style très personnel, malgré lirrévérence érotique et la polémique issue des thèmes quil choisit dillustrer. Dautres affichistes célèbres sont Privat Livemont. Ou encore Ramon Casas. Qui est un artiste du modernisme catalan. En typographie, de nombreuses créations de caractères se font dans lesprit de lArt nouveau, avec, entre autres, Eugène Grasset. Auriol , Française légère en France, Otto Weisert police Arnold Böcklin. L’Éventail d’Octave Uzanne. Illustré par Paul Avril. Affiche pour la Fête des fleurs de Bagnères-de-Luchon, Jules Chéret. Moulin Rouge – La Goulue. Affiche de Henri de Toulouse-Lautrec. La Jupe-paon , illustration d’Aubrey Beardsley. Affiche de Alfons Mucha. Affiche de l’exposition d’art décoratif des galeries Poirel de Nancy en 1894. Utilisation du thème du paon. Récurrente dans l’Art nouveau. Affiche de la Tournée du Chat noir. Affiche de Henri Privat-Livemont. De 1897, La femme blonde , Alfons Mucha (1897). Au Bon Marché, Herman Richir. (Hamner) pour Delhaize Frères & Cie (1896). Affiche pour les Motocycles Comiot, Théophile Alexandre Steinlen. Articles détaillés : modernisme catalan. Et Art nouveau à Bruxelles. Les principaux bâtiments classés par l’Unesco. Comme patrimoine mondial se trouvent à Barcelone. La première ville abrite des monuments classés du modernisme catalan. Des architectes Antoni Gaudí. Et Lluís Domènech i Montaner. Pour le premier, il s’agit du parc Güell. De la Casa Mila. De la Casa Vicens. Du travail de Gaudí sur la façade de la Nativité et la crypte de la basilique de la Sagrada Familia. De la Casa Batlló. Et de la crypte de la Colonie Güell. Pour le second, il s’agit de l’hôpital de Sant Pau. Et du palais de la musique catalane. Ce sont des bâtiments de Victor Horta. Du premier, ce sont les quatre habitations majeures. De l’hôtel Solvay. De l’hôtel van Eetvelde. Et de la maison Horta. Maison-atelier de l’architecte, devenue musée Horta. Du second, c’est le palais Stoclet. Réalisé entre 1905 et 1911 par l’architecte autrichien Josef Hoffmann, l’un des maîtres de la Sécession viennoise. Immeuble construit par Louis Perreau. À l’angle des rues du Château et du Temple, à Dijon. L’Art nouveau a été décliné selon la sensibilité de chaque pays. Les habitations majeures de l’architecte Victor Horta. L’Alcazar à Angers. Immeuble construit par l’architecte Louis Perreau. À l’angle des rues du Château et du Temple à Dijon. Par Louis Sorel, à Reims. Ancien Comptoir de l’Industrie (Reims). 6-12, rue Cérès ; architectes : Marcel Rousseau et Émile Thion. Les bouches du métropolitain métro. De la ville de Paris. Les uvres d’Antoni Gaudí. Uvres de Lluís Domènech i Montaner. Et l’hôtel Ciamberlani. À Charleroi, avec des sgraffites. De Gabriel van Dievoet. Le Centre belge de la bande dessinée. À Bruxelles, anciens magasins Waucquez. L’hôtel du Parc (ex-hôtel Métropole) de Plombières-les-Bains. Le Théâtre municipal de Tunis. Obecni dum de Prague. Le palais de la Sécession. Par Joseph Maria Olbrich. Sur la place Graslin. Une des plus belles brasseries de France construite en 1895, classée monument historique. L’Art nouveau a également laissé de nombreuses uvres dans les villes de Nancy. Qui furent des centres de développement de ce mouvement. Contient la plus grande concentration d’Art nouveau en Europe. Maison russe construite à Nijni Novgorod. Cabaret de l’Alcazar par Gaston Réchin, construit dans le premier quart du. Dont la construction a commencé en 1882 et n’est pas achevée. Par l’architecte Louis Sorel. Ferronneries du palais Gresham. , avec des représentations de paons. Motif très utilisé par la Sécession. Cette section est vide, insuffisamment détaillée ou incomplète. Article détaillé : Sécession viennoise. L’item « TRES GRANDE JARDINIERE EN BRONZE ARGENTE-AUGUSTE MOREAU (1834-1917) -ART NOUVEAU » est en vente depuis le vendredi 27 octobre 2017. Il est dans la catégorie « Art, antiquités\Meubles, décoration du XXe\Art nouveau\Objets de décoration ». 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